Stan Getz • Stan Getz And The Oscar Peterson Trio

 

Review

In that quintessential breakthrough year of modern jazz -- 1957 -- Norman Granz was fond of pairing the legendary drummerless trio of Oscar Peterson with several different stars from the Jazz at the Philharmonic concert series. In this case, Stan Getz is the nominee, and Granz could not have found a better match for the pianist alongside his peerless combo than the ripe, mature, and bebopping tenor saxophonist. It was a one-shot deal, the only official collaboration between Getz and Peterson, expanded on this edition of the Silver Collection series with tracks from the complete session, with no alternate takes or bonus tracks and recorded entirely in monaural. Unlike Art Tatum -- who could never really restrain his notions to always cut loose -- Peterson sounds relatively relaxed on this date, understanding that Getz was also not going to shred up every tune they played. With guitarist Herb Ellis and bassist Ray Brown, the quartet members not only have all the rhythmic cohesion they need without a formal timekeeper, but interact in a way that approaches telepathic or magical. In short, the quartet is in the zone like few groups ever achieve in a studio setting. They zip through a bop-based edition of "I Want to Be Happy," a hopped-up adaptation of "Sweet Georgia Brown" titled "Tour's End," and the flawless "Three Little Words" like they are child's play. The strong Kansas City cum Texas-style guitar of Ellis cannot be denied during "Bronx Blues," while Getz reins in the countrified air of the jam in a laid-back but downtown fashion. During the great song (penned by Ellis) "Detour Ahead," heard here in an instrumental, post-Billie Holiday version, the ensemble shows ultimate flexibility, heightened by the tenor saxophonist's touching yet firm grasp of the melody. Aside from the closer, "Blues for Herky," with a choppy guitar from Ellis and a New Orleans-type feel, the rest of the material consists of ballads or midtempo cool tunes. This is where Peterson is most surprising, toning down his act, interpreting the songs with the precision of a diamond cutter, and using his acute listening skills to the fullest. Those bedazzled by the utter virtuosity of the pianist should listen more closely to this recording to hear how his taste level is as elevated as the monster technique he possesses. While "I Was Doing All Right" approaches a lounge sound, the five-tune "Ballad Medley" displays Peterson at his best, especially on his feature, "How Long Has This Been Going On." On this great album for the times and all time, these wonderful musicians are on from the word go, providing 60 priceless minutes of music that any mainstream jazz lover can embrace.

https://www.allmusic.com/album/stan-getz-and-the-oscar-peterson-trio-mw0000191869

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Reseña

En ese año de gran avance del jazz moderno, 1957, Norman Granz se encargó de emparejar al legendario trío sin batería de Oscar Peterson con varias estrellas de la serie de conciertos de Jazz en la Filarmónica. En este caso, Stan Getz es el nominado, y Granz no podría haber encontrado una mejor pareja para el pianista junto a su incomparable combo que el maduro, maduro y bebopping saxofonista tenor. Fue un acuerdo de una sola vez, la única colaboración oficial entre Getz y Peterson, ampliada en esta edición de la serie Silver Collection con temas de la sesión completa, sin tomas alternas ni bonus tracks y grabada totalmente en monaural. A diferencia de Art Tatum, que nunca pudo restringir sus nociones para siempre soltarse, Peterson suena relativamente relajado en esta fecha, entendiendo que Getz tampoco iba a destrozar cada canción que tocara. Con el guitarrista Herb Ellis y el bajista Ray Brown, los miembros del cuarteto no sólo tienen toda la cohesión rítmica que necesitan sin un cronómetro formal, sino que interactúan de una manera que se acerca a lo telepático o mágico. En resumen, el cuarteto está en la zona como pocos grupos logran en un estudio. Pasan por una edición basada en el bop de "I Want to Be Happy", una esperanzadora adaptación de "Sweet Georgia Brown" titulada "Tour's End", y las impecables "Three Little Words" como si fueran un juego de niños. La fuerte guitarra de Ellis al estilo Kansas City cum Texas no se puede negar durante el "Bronx Blues", mientras Getz se encarga del aire campestre de la mermelada de una manera relajada pero céntrica. Durante la gran canción (escrita por Ellis) "Detour Ahead", que se escucha aquí en una versión instrumental post-Billie Holiday, el conjunto muestra una flexibilidad definitiva, realzada por el conmovedor pero firme agarre de la melodía por parte del saxofonista tenor. Aparte del cierre, "Blues para Herky", con una guitarra entrecortada de Ellis y una sensación tipo New Orleans, el resto del material consiste en baladas o melodías frescas de medio tiempo. Aquí es donde Peterson es más sorprendente, bajando el tono de su actuación, interpretando las canciones con la precisión de un cortador de diamantes, y usando sus agudas habilidades de escucha al máximo. Aquellos deslumbrados por el virtuosismo del pianista deberían escuchar más de cerca esta grabación para oír cómo su nivel de gusto es tan elevado como la monstruosa técnica que posee. Mientras "I Was Doing All Right" se acerca a un sonido de salón, la "Ballad Medley" de cinco tonos muestra a Peterson en su mejor momento, especialmente en su artículo "How Long Has This Been Going On". En este gran álbum para la época y para siempre, estos maravillosos músicos están en marcha desde el principio, proporcionando 60 minutos de música que no tienen precio y que cualquier amante del jazz puede abrazar.

https://www.allmusic.com/album/stan-getz-and-the-oscar-peterson-trio-mw0000191869

Lennie Tristano & The Boyd Raeburn Orchestra ‎• New Sounds In The Forties

 

L.A. 4 • Pavane Pour Une Infante Defunte

 

Biography by Scott Yanow
Altoist/flutist Bud Shank and Brazilian acoustic guitarist Laurindo Almeida first teamed up in the 1950s to create music that predated but strongly hinted at bossa nova. In 1974, they reunited to form the L.A. Four with bassist Ray Brown and drummer Chuck Flores. With Shelly Manne and later Jeff Hamilton replacing Flores on drums, the L.A. Four recorded eight albums for Concord through 1982, breaking up shortly afterward. Their mixture of cool-toned bop, Brazilian-oriented music, and ballads was quite attractive.
https://www.allmusic.com/artist/the-la-4-mn0000090637#biography

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Biografía de Scott Yanow
El alto flautista Bud Shank y el guitarrista acústico brasileño Laurindo Almeida se unieron por primera vez en la década de 1950 para crear una música anterior a la bossa nova, aunque con fuertes guiños a ésta. En 1974, se reunieron para formar los L.A. Four con el bajista Ray Brown y el batería Chuck Flores. Con Shelly Manne y más tarde Jeff Hamilton sustituyendo a Flores en la batería, los L.A. Four grabaron ocho álbumes para Concord hasta 1982, separándose poco después. Su mezcla de bop fresco, música brasileña y baladas era bastante atractiva.
https://www.allmusic.com/artist/the-la-4-mn0000090637#biography

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Fats Navarro • The Fabulous Fats Navarro

 

Review from AllMusic (by Stephen Cook):
Primarily comprised of recordings made with pianist Tadd Dameron, The Fabulous Fats Navarro spotlights the fluid and inventive bebop trumpeter on nine master takes and several alternate versions. (The impressive bonus cuts will not only excite completists, but should please the casual fan as well.) From the two Dameron-led dates in 1947 and 1948, we have classic Navarro performances like "The Chase," "Our Delight," "The Squirrel," and "Lady Bird." Navarro's stellar solos here (both muted and not) are complimented by equally impressive statements from alto saxophonist Ernie Henry and tenor saxophonists Wardell Gray and Charlie Rouse. And while drummers Shadow Wilson and Kenny Clarke provide fine rhythmic support throughout, conga player Chino Pozo (cousin of Chano Pozo) provides some nice additional texture on a few numbers. Also included on this disc are excellent tracks from a 1948 date with trumpeter Howard McGhee. Covering McGhee and Navarro originals like "Boperation" and "Double Talk," this session features more stellar solo work from Henry as well as some fine contributions by vibraphonist Milt Jackson (who actually plays piano on most of the cuts). And rounding out things are a few alternate takes from a date with pianist Bud Powell, including worthwhile versions of "Wail" and "Bouncing With Bud." This is an essential title for jazz enthusiasts, but one that seems to go in and out of print quite often.
https://www.allmusic.com/album/the-fabulous-fats-navarro-vol-1-mw0000199614

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Reseña de AllMusic (por Stephen Cook):
Compuesto principalmente de grabaciones realizadas con el pianista Tadd Dameron, The Fabulous Fats Navarro pone de relieve al fluido e inventivo trompetista de bebop en nueve tomas maestras y varias versiones alternativas. (Los impresionantes cortes adicionales no solo emocionarán a los coleccionistas, sino que también deberían complacer al aficionado casual.) De las dos fechas lideradas por Dameron en 1947 y 1948, tenemos actuaciones clásicas de Navarro como "The Chase," "Our Delight," "The Squirrel" y "Lady Bird." Los estelares solos de Navarro aquí (con y sin sordina) están complementados por declaraciones igualmente impresionantes del saxofonista alto Ernie Henry y los saxofonistas tenores Wardell Gray y Charlie Rouse. Y mientras los bateristas Shadow Wilson y Kenny Clarke proporcionan un excelente soporte rítmico a lo largo del disco, el congero Chino Pozo (primo de Chano Pozo) aporta una agradable textura adicional en algunos números. También se incluyen excelentes temas de una fecha de 1948 con el trompetista Howard McGhee. Cubriendo originales de McGhee y Navarro como "Boperation" y "Double Talk," esta sesión presenta más trabajo solista estelar de Henry, así como finas contribuciones del vibrafonista Milt Jackson (quien en realidad toca el piano en la mayoría de los cortes). Y para rematar, hay algunas tomas alternativas de una fecha con el pianista Bud Powell, incluyendo versiones valiosas de "Wail" y "Bouncing With Bud." Este es un título esencial para los entusiastas del jazz, aunque parece entrar y salir de la imprenta con bastante frecuencia.
https://www.allmusic.com/album/the-fabulous-fats-navarro-vol-1-mw0000199614

Ray Brown-Milt Jackson • Ray Brown-Milt Jackson

 

Joe Venuti & George Barnes • Live At The Concord Summer

Review by Scott Yanow

Violinist Joe Venuti and guitarist George Barnes (joined by pianist Ross Tompkins, bassist Ray Brown and drummer Jake Hanna) make for a very complementary team on this live session. Tompkins is featured on "Too Close for Comfort," Barnes is showcased on "I Can't Get Started," the ensemble romps on "Sweet Georgia Brown" and the full group plays a lengthy five-song Duke Ellington/Billy Strayhorn medley. Few surprises occur but there are enough fireworks to justify this album's acquisition, even by those who already own 20 Joe Venuti albums.

 

Note: On the cover, Venuti is seen using a curved violin bow.

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Reseña de Scott Yanow

El violinista Joe Venuti y el guitarrista George Barnes (junto con el pianista Ross Tompkins, el bajista Ray Brown y el baterista Jake Hanna) forman un equipo muy complementario en esta sesión en vivo. Tompkins aparece en "Too Close for Comfort", Barnes en "I Can't Get Started", el conjunto toca en "Sweet Georgia Brown" y el grupo completo toca una larga mezcla de cinco canciones de Duke Ellington y Billy Strayhorn. Pocas sorpresas ocurren pero hay suficientes fuegos artificiales para justificar la adquisición de este álbum, incluso por aquellos que ya poseen 20 álbumes de Joe Venuti.

Nota: En la portada, Venuti se ve lo utilizando un arco de violín curvado.

Oscar Peterson • Night Train

Review by Scott Yanow

Although the repertoire on this CD reissue by the Oscar Peterson Trio (with bassist Ray Brown and drummer Ed Thigpen) is fairly typical (with such veteran standards as "C Jam Blues," "Bags' Groove," "Easy Does It" and "I Got It Bad"), Peterson and his sidemen sound fairly inspired. Actually the highpoints are the final two selections: Duke Ellington's "Band Call" and the original version of O.P.'s "Hymn to Freedom." This CD gives one a definitive look at the 1960s Oscar Peterson Trio.

https://www.allmusic.com/album/night-train-mw0000871247

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Reseña de Scott Yanow

Aunque el repertorio de este CD reeditado por el trío Oscar Peterson (con el bajista Ray Brown y el baterista Ed Thigpen) es bastante típico (con estándares tan veteranos como "C Jam Blues", "Bags' Groove", "Easy Does It" y "I Got It Bad"), Peterson y sus acompañantes suenan bastante inspirados. En realidad, los puntos culminantes son las dos últimas selecciones: "Band Call" de Duke Ellington y la versión original de "Hymn to Freedom" de O.P. Este CD da una mirada definitiva al trío de Oscar Peterson de los años sesenta.

https://www.allmusic.com/album/night-train-mw0000871247

oscarpeterson.com ...

Barney Kessel • Volare (Nel Blu, Dipinto Di Blu)

Biography

One of the finest guitarists to emerge after the death of Charlie Christian, Barney Kessel was a reliable bop soloist throughout his career. He played with a big band fronted by Chico Marx (1943), was fortunate enough to appear in the classic jazz short Jammin' the Blues (1944), and then worked with the big bands of Charlie Barnet (1944-1945) and Artie Shaw (1945); he also recorded with Shaw's Gramercy Five. Kessel became a busy studio musician in Los Angeles, but was always in demand for jazz records. He toured with the Oscar Peterson Trio for one year (1952-1953) and then, starting in 1953, led an impressive series of records for Contemporary that lasted until 1961 (including several with Ray Brown and Shelly Manne in a trio accurately called the Poll Winners). After touring Europe with George Wein's Newport All-Stars (1968), Kessel lived in London for a time (1969-1970). In 1973, he began touring and recording with the Great Guitars, a group also including Herb Ellis and Charlie Byrd. A serious stroke in 1992 put Barney Kessel permanently out of action, but many of his records (which include dates for Onyx, Black Lion, Sonet, and Concord, in addition to many of the Contemporaries) are available, along with several video collections put out by Vestapol. Kessel was diagnosed with inoperable cancer in 2001, which eventually took his life in May of 2004. He was 80 years old. ~ Scott Yanow

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Biografía

Uno de los mejores guitarristas que surgieron después de la muerte de Charlie Christian, Barney Kessel fue un solista de bop fiable durante toda su carrera. Tocó con una gran banda liderada por Chico Marx (1943), tuvo la suerte de aparecer en el corto clásico de jazz Jammin' the Blues (1944), y luego trabajó con las grandes bandas de Charlie Barnet (1944-1945) y Artie Shaw (1945); también grabó con Shaw's Gramercy Five. Kessel se convirtió en un músico de estudio muy ocupado en Los Ángeles, pero siempre tuvo demanda de discos de jazz. Realizó una gira con el Oscar Peterson Trio durante un año (1952-1953) y luego, a partir de 1953, dirigió una impresionante serie de discos para Contemporary que duró hasta 1961 (incluidos varios con Ray Brown y Shelly Manne en un trío llamado precisamente los Poll Winners). Después de recorrer Europa con el Newport All-Stars de George Wein (1968), Kessel vivió en Londres durante un tiempo (1969-1970). En 1973, comenzó a hacer giras y grabaciones con los Great Guitars, un grupo que también incluía a Herb Ellis y Charlie Byrd. Un grave derrame cerebral en 1992 dejó a Barney Kessel permanentemente fuera de combate, pero muchos de sus discos (que incluyen fechas de Onyx, Black Lion, Sonet y Concord, además de muchos de los Contemporáneos) están disponibles, junto con varias colecciones de vídeo publicadas por Vestapol. A Kessel se le diagnosticó un cáncer inoperable en 2001, que finalmente le quitó la vida en mayo de 2004. Tenía 80 años de edad. ~ Scott Yanow

 

Ray Brown • This Is Ray Brown

 

Ray Brown was born in Pittsburgh, Pennsylvania, and had piano lessons from the age of eight. After noticing how many pianists attended his high school, he thought of taking up the trombone, but was unable to afford one. With a vacancy in the high school jazz orchestra, he took up the double bass.

A major early influence on Brown's bass playing was the bassist in the Duke Ellington band, Jimmy Blanton. As a young man Ray Brown became steadily more well known in the Pittsburgh jazz scene, with his first experiences playing in bands with the Jimmy Hinsley Sextet and the Snookum Russel band. After graduating from high school, hearing stories about the burgeoning jazz scene on 52nd Street, in New York City, he bought a one way ticket to New York.

Arriving in New York at the age of twenty, he met up with Hank Jones, with whom he had previously worked, and was introduced to Dizzy Gillespie, who was looking for a bass player. Gillespie hired Brown on the spot and he soon played with such established musicians as Art Tatum and Charlie Parker.

From 1946 to 1951 he played in Gillespie's band. Brown, along with the vibraphonist Milt Jackson, drummer Kenny Clarke, and the pianist John Lewis formed the rhythm section of the Gillespie band, and their work together eventually led to the creation of the Modern Jazz Quartet.

Around this time Brown was also appearing in Jazz at the Philharmonic concerts, organised by Norman Granz. It was at these concerts that he met the jazz singer Ella Fitzgerald, whom he married in 1947. Together they adopted a child born to Fitzgerald's half-sister Francis, whom they christened Ray Brown, Jr. Fitzgerald and Brown divorced in 1952.

It was at a Jazz at the Philharmonic concert in 1949 that Brown first worked with the jazz pianist Oscar Peterson, in whose trio Brown would play from 1951 to 1966. After leaving the Trio he became a manager and promoter as well as a performer.

In 1966, he settled in Los Angeles where he was in high demand working for various television show orchestras. He also accompanied some of the leading artists of the day, including Frank Sinatra, Billy Eckstine, Tony Bennett, Sarah Vaughan, and Nancy Wilson. He also managed his former musical partners, the Modern Jazz Quartet, as well as a young Quincy Jones, produced some shows for the Hollywood Bowl, wrote jazz double bass instruction books, and developed a jazz cello.

It was whilst in Los Angeles that he composed music for films and television shows. He was awarded his first Grammy for his composition, "Gravy Waltz", a tune which would later be used as the theme song for The Steve Allen Show.

In the 1980s and 1990s he led his own trios and continued to refine his bass playing style. In his later years he recorded and toured extensively with pianist Gene Harris. In the early 1980s, he discovered Diana Krall in a restaurant in Nanaimo, British Columbia.

He continued to perform until his death; he died while taking a nap before a show in Indianapolis.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/ray-brown/

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Ray Brown nació en Pittsburgh, Pensilvania, y recibió lecciones de piano desde los ocho años. Después de darse cuenta de cuántos pianistas asistían a su escuela secundaria, pensó en tomar el trombón, pero no pudo pagarlo. Con una vacante en la orquesta de jazz de la escuela secundaria, tomó el contrabajo.

Una gran influencia temprana en el bajo de Brown fue el bajista de la banda de Duke Ellington, Jimmy Blanton. De joven, Ray Brown se hizo cada vez más conocido en la escena del jazz de Pittsburgh, con sus primeras experiencias tocando en bandas con el Sexteto Jimmy Hinsley y la banda Snookum Russel. Después de graduarse de la escuela secundaria, escuchando historias sobre la floreciente escena del jazz en la calle 52, en la ciudad de Nueva York, compró un boleto de ida a Nueva York.

Al llegar a Nueva York a los veinte años, conoció a Hank Jones, con quien había trabajado anteriormente, y conoció a Dizzy Gillespie, que buscaba bajista. Gillespie contrató a Brown en el acto y pronto tocó con músicos establecidos como Art Tatum y Charlie Parker.

De 1946 a 1951 tocó en la banda de Gillespie. Brown, junto con el vibrafonista Milt Jackson, el baterista Kenny Clarke y el pianista John Lewis formaron la sección rítmica de Gillespie band, y su trabajo conjunto eventualmente condujo a la creación del Cuarteto de Jazz Moderno.

Por esta época, Brown también aparecía en Jazz en los conciertos Filarmónicos, organizados por Norman Granz. Fue en estos conciertos donde conoció a la cantante de jazz Ella Fitzgerald, con quien se casó en 1947. Juntos adoptaron a un niño nacido de la media hermana de Fitzgerald, Francis, a quien bautizaron Ray Brown, Jr.Fitzgerald y Brown se divorciaron en 1952.

Fue en un concierto de Jazz en la Filarmónica en 1949 cuando Brown trabajó por primera vez con el pianista de jazz Oscar Peterson, en cuyo trío Brown tocaría de 1951 a 1966. Después de dejar el Trío, se convirtió en gerente y promotor, además de intérprete.

En 1966, se instaló en Los Ángeles, donde tuvo una gran demanda trabajando para varias orquestas de programas de televisión. También acompañó a algunos de los principales artistas de la época, incluidos Frank Sinatra, Billy Eckstine, Tony Bennett, Sarah Vaughan y Nancy Wilson. También dirigió a sus antiguos socios musicales, el Cuarteto de Jazz Moderno, así como a un joven Quincy Jones, produjo algunos espectáculos para el Hollywood Bowl, escribió libros de instrucciones de contrabajo de jazz y desarrolló un violonchelo de jazz.

Fue mientras estaba en Los Ángeles cuando compuso música para películas y programas de televisión. Recibió su primer Grammy por su composición, "Gravy Waltz", una melodía que luego se usaría como tema principal de The Steve Allen Show.

En las décadas de 1980 y 1990 dirigió sus propios tríos y continuó refinando su estilo de tocar el bajo. En sus últimos años grabó y realizó numerosas giras con el pianista Gene Harris. A principios de la década de 1980, descubrió a Diana Krall en un restaurante en Nanaimo, Columbia Británica.

Continuó actuando hasta su muerte; murió mientras dormía una siesta antes de un espectáculo en Indianápolis.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/ray-brown/

Gerry Mulligan • The After Life of the Party

 

Gerry Mulligan grew up in Philadelphia and first learned piano, which he played occasionally. While in his teens, he wrote arrangements for Johnny Warrington's radio band (1944) and played reed instruments professionally. After moving to New York in 1946, he joined Gene Krupa's big band as staff arranger, attracting attention with his Disc Jockey Jump (1947). He then became involved with the nascent cool-jazz movement in New York, taking part in the performances (1948) and recording sessions (1949-50) of Miles Davis' nonet and contributing scores to the big bands of Elliot Lawrence and Claude Thornhill. By this time, he was specializing in baritone saxophone and playing in groups with Kai Winding and others. He also wrote scores for Stan Kenton's band and recorded with his own tentet (1951), which was modeled on Davis's ensemble.

In 1952, Mulligan, then based in Los Angeles, formed his first “piano-less” quartet, with Chet Baker on trumpet. The group was instantaneously successful and brought Baker and Mulligan international acclaim. Mulligan led a new tentet and various versions of the quartet throughout the mid-1950s. He made a sensational appearance at the Salle Pleyel in Paris in 1954 and began dominating jazz opinion polls for his instrument. In 1960, he organized his own 13-piece concert jazz band with which he toured Europe in that year and Japan in 1964. After it disbanded, he became an active sideman, working often with Dave Brubeck (1968-72) and as a freelance arranger for other jazz groups. He formed a new 14-piece big band, the Age of Steam, in 1972, and was artist-in-residence at Miami University in 1974.

From 1974 to 1977, Mulligan led a sextet that included Dave Samuels, and during this period he worked regularly in New York and Italy. Around the same time he began playing soprano saxophone. He formed a 14-piece band in 1978 and toured with it into the following year. During the early 1980s, he made recordings as a leader in New York that involved experiments with a 20-piece big band (1980) and electronic instruments (1982-3), but in 1986 he returned to a more familiar format as the leader of a quintet with Scott Hamilton and Grady Tate.

Mulligan is among the most versatile figures in modern jazz. Although slow to develop as an instrumentalist, he has long been recognized as the most important baritone saxophonist in jazz since Harry Carney. Besides the cool idiom that he helped to create, he is equally at home in a big-band, bop, or even Dixieland context (playing clarinet in the latter), and his excellent recordings with musicians as varied as Johnny Hodges and Thelonious Monk show an unusual musical adaptability. Initially, however, Mulligan made his reputation as an arranger of band scores with intricate inner parts, careful balancing of timbres, low dynamics, and light swing, all of which features are present in his settings of Jeru, Godchild, and Venus de Milo for Davis' nonet. Later, he abstracted these qualities in his piano-less groups, where the low volume and absence of chordal underpinnings freed the wind players to improvise in delicate two-part counterpoint. Some of Mulligan's best playing may be heard in his recordings with Chet Baker, Bob Brookmeyer, and most notably Paul Desmond, with whom he shares an unusual talent for improvised countermelody.

https://musicians.allaboutjazz.com/gerrymulligan

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Gerry Mulligan creció en Filadelfia y aprendió piano por primera vez, que tocaba ocasionalmente. Mientras era adolescente, escribió arreglos para Johnny Warrington's radio band (1944) y tocó instrumentos de lengüeta profesionalmente. Después de mudarse a Nueva York en 1946, se unió a la big band de Gene Krupa como arreglista de personal, atrayendo la atención con su Disc Jockey Jump (1947). Luego se involucró con el naciente movimiento cool-jazz en Nueva York, participando en las actuaciones (1948) y sesiones de grabación (1949-50) de Miles Davis ' nonet y contribuyendo con partituras a las big bands de Elliot Lawrence y Claude Thornhill. En ese momento, se especializaba en saxofón barítono y tocaba en grupos con Kai Winding y otros. También escribió partituras para la banda de Stan Kenton y grabó con su propio tentet (1951), que se inspiró en el conjunto de Davis.

En 1952, Mulligan, entonces con sede en Los Ángeles, formó su primer cuarteto "sin piano", con Chet Baker a la trompeta. El grupo tuvo un éxito instantáneo y le dio a Baker y Mulligan reconocimiento internacional. Mulligan dirigió un nuevo tentet y varias versiones del cuarteto a mediados de la década de 1950. Hizo una aparición sensacional en la Salle Pleyel de París en 1954 y comenzó a dominar las encuestas de opinión sobre el jazz para su instrumento. En 1960, organizó su propia banda de jazz de concierto de 13 integrantes con la que realizó una gira por Europa en ese año y Japón en 1964. Después de su disolución, se convirtió en un acompañante activo, trabajando a menudo con Dave Brubeck (1968-72) y como arreglista independiente para otros grupos de jazz. Formó una nueva big band de 14 integrantes, the Age of Steam, en 1972, y fue artista residente en la Universidad de Miami en 1974.

De 1974 a 1977, Mulligan dirigió un sexteto que incluía a Dave Samuels, y durante este período trabajó regularmente en Nueva York e Italia. Casi al mismo tiempo comenzó a tocar el saxofón soprano. Formó una banda de 14 integrantes en 1978 y estuvo de gira con ella hasta el año siguiente. A principios de la década de 1980, realizó grabaciones como líder en Nueva York que involucraron experimentos con una big band de 20 integrantes (1980) e instrumentos electrónicos (1982-3), pero en 1986 regresó a un formato más familiar como líder de un quinteto con Scott Hamilton y Grady Tate.

Mulligan se encuentra entre las figuras más versátiles del jazz moderno. Aunque tardó en desarrollarse como instrumentista, durante mucho tiempo ha sido reconocido como el saxofonista barítono más importante del jazz desde Harry Carney. Además del lenguaje genial que ayudó a crear, se siente igualmente como en casa en un contexto de big band, bop o incluso Dixieland (tocando el clarinete en este último), y sus excelentes grabaciones con músicos tan variados como Johnny Hodges y Thelonious Monk muestran una adaptabilidad musical inusual. Inicialmente, sin embargo, Mulligan se ganó la reputación de arreglador de partituras de banda con intrincadas partes internas, cuidadoso equilibrio de timbres, baja dinámica y swing ligero, características todas presentes en sus composiciones de Jeru, Godchild y Venus de Milo para Davis' nonet. Más tarde, abstrajo estas cualidades en sus grupos sin piano, donde el bajo volumen y la ausencia de bases cordales liberaron a los músicos de viento para improvisar en un delicado contrapunto de dos partes. Algunas de las mejores interpretaciones de Mulligan se pueden escuchar en sus grabaciones con Chet Baker, Bob Brookmeyer y, sobre todo, Paul Desmond, con quien comparte un talento inusual para la contramelodia improvisada.
https://musicians.allaboutjazz.com/gerrymulligan

 

Oscar Peterson • Trio Encore At The Blue Note

 

Review

The fourth CD taken from a reunion engagement at the Blue Note by pianist Oscar Peterson, guitarist Herb Ellis, bassist Ray Brown and drummer Bobby Durham, this set is up to the same level as the other three. The Oscar Peterson Trio of the late '50s (along with Peterson's drummer of a decade later) jam through five standards (including a heated "Falling in Love with Love") and four of Peterson's originals, highlighted by a medley of his "Goodbye Old Girl" and "He Has Gone."

by Scott Yanow

https://www.allmusic.com/album/encore-at-the-blue-note-mw0000112472

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Reseña

El cuarto CD tomado de un compromiso de reunión en el Blue Note por el pianista Oscar Peterson, el guitarrista Herb Ellis, el bajista Ray Brown y el baterista Bobby Durham, este conjunto está al mismo nivel que los otros tres. El Oscar Peterson Trio de finales de los 50 (junto con el baterista de Peterson de una década más tarde) improvisa a través de cinco estándares (incluyendo un acalorado "Falling in Love") y cuatro de los originales de Peterson, destacados por un medley de su "Goodbye Old Girl" y "He Has Gone".

por Scott Yanow
https://www.allmusic.com/album/encore-at-the-blue-note-mw0000112472

Jack Wilson • Something Personal

 

Review
by Scott Yanow
On this CD reissue, pianist Jack Wilson's first of three albums for Blue Note, the emphasis is on his interaction with vibraphonist Roy Ayers. Some of the selections recall the Modern Jazz Quartet, while a few of the other songs look toward Herbie Hancock and Bobby Hutcherson. The other musicians on the date are bassist Ray Brown (who plays cello on two numbers that include Charles Williams, Jr. on bass) and drummer Varney Barlow. In two cases (Ornette Coleman's "The Sphinx" and Wilson's "Shosh"), complex melody statements are succeeded by disappointingly conventional chordal jams, but in general this album is an excellent showcase for the often-overlooked Jack Wilson.
https://www.allmusic.com/album/something-personal-mw0000073855

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Reseña
por Scott Yanow
En esta reedición en CD, el primero de los tres álbumes del pianista Jack Wilson para Blue Note, se hace hincapié en su interacción con el vibrafonista Roy Ayersers. Algunas de las selecciones recuerdan al Modern Jazz Quartet, mientras que algunas de las otras canciones miran hacia Herbie Hancock y Bobby Hutcherson. Los otros músicos de la fecha son el bajista Ray Brown (que toca el violonchelo en dos números que incluyen a Charles Williams, Jr. al bajo) y el batería Varney Barlow. En dos casos ("The Sphinx", de Ornette Coleman, y "Shosh", de Wilson), las complejas melodías son sustituidas por acordes decepcionantemente convencionales, pero en general este álbum es un excelente escaparate para el a menudo ignorado Jack Wilson.
https://www.allmusic.com/album/something-personal-mw0000073855

Howard Roberts • Forever

Howard Roberts was born in Phoenix, Arizona in 1929. He began playing guitar at age 8 and by age 15 was playing gigs in and around the Phoenix area. In 1950 (at age 20) Howard decided to move to Los Angeles, and through hard work and the invaluable assistance of fellow guitarist/arranger-composer Jack Marshall, Howard met and began playing with some of L.A.'s very best musicians, including Bobby Troup, Chico Hamilton and Barney Kessel. This led to a job with Bobby Troup and circa 1956 to a solo recording contract with Verve Records. At around that same time as he signed with Verve, Howard decided to concentrate on recording/studio work - work that he would do nearly non- stop until the early 1970's.

Howard's studio career has to be one of the most prolific ever. He played rhythm guitar, lead guitar, bass and even mandolin on an incredible number of television and movie projects. He also backed jazz, pop, country and rock 'n roll artists, and was heard on thousands of records over his career.

But Howard wasn't just a first call studio musician. Beginning in the late 60's Howard's interest in studio work diminished. He began to travel and hold guitar seminars all around the country. Howard had a genuine talent for teaching and curriculum development, a talent he shared with his wife Patty. This interest/talent led to the founding of a school for guitarists: GIT (The Guitar Institute of Technology). He also established Playback Publishing and wrote several books as part of a structured guitar music curriculum. And if that wasn't enough, for several years Howard wrote a monthly column (”Jazz Improvisation”) for Guitar Player magazine.

Howard had already recorded under his own name on at least one other label (Verve Records) before he signed with Capitol Records. Prior to that (circa 1955) he recorded at least two records as part of pianist/song stylist Bobby Troup's band on the Bethlehem label. “Color Him Funky,” and “H.R. is a Dirty Guitar Player” are the first two albums Howard recorded for Capitol, and were recorded within a few months of each other in 1963. The outstanding rhythm section is the same on both dates - Chuck Berghofer on bass and Earl Palmer on drums. Paul Bryant and Burkley Kendrix are on organ.

Most of Howard Roberts' recordings through the years, particularly a long string for Capitol in the ‘60’s and into the ‘70’s were quite commercial, featuring brief versions of current pop tunes. He did some good work with The Magic Band on some live recordings at Donte’s in Los Angeles that showed hints of what he could do. A versatile studio player, Roberts finally had an opportunity in 1977 to record some no-nonsense, straight-ahead jazz. “The Real Howard Roberts,” was a stand out, with a good band behind him interpreting jazz standards.

Howard Roberts died June 28, 1992

Howard Roberts is a member of the prestigious Gibson Hall of Fame. His guitars, personally designed and marketed by Gibson, are the H.R. Custom, with is arch top and oval hole combining classic-acoustic and electric guitars, and the newer H.R. Fusion model.
Source: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/howardroberts

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Howard Roberts nació en Phoenix, Arizona, en 1929. Empezó a tocar la guitarra a los 8 años y a los 15 ya tocaba en conciertos en el área de Phoenix y sus alrededores. En 1950 (a la edad de 20 años) Howard decidió mudarse a Los Ángeles, y a través del trabajo duro y la inestimable ayuda de su compañero guitarrista/compositor Jack Marshall, Howard conoció y comenzó a tocar con algunos de los mejores músicos de Los Ángeles, incluyendo a Bobby Troup, Chico Hamilton y Barney Kessel. Esto llevó a un trabajo con Bobby Troup y hacia 1956 a un contrato de grabación en solitario con Verve Records. Al mismo tiempo que firmaba con Verve, Howard decidió concentrarse en el trabajo de grabación y estudio, trabajo que haría casi sin parar hasta principios de los 70.

La carrera de Howard en el estudio tiene que ser una de las más prolíficas de la historia. Tocó la guitarra rítmica, la guitarra solista, el bajo e incluso la mandolina en un número increíble de proyectos de televisión y cine. También apoyó a artistas de jazz, pop, country y rock 'n roll, y se le escuchó en miles de discos a lo largo de su carrera.

Pero Howard no era sólo un músico de estudio de primera llamada. A partir de finales de los 60, el interés de Howard por el trabajo en el estudio disminuyó. Empezó a viajar y a dar seminarios de guitarra por todo el país. Howard tenía un genuino talento para la enseñanza y el desarrollo de planes de estudio, un talento que compartía con su esposa Patty. Este interés/talento llevó a la fundación de una escuela para guitarristas: GIT (El Instituto Tecnológico de la Guitarra). También estableció Playback Publishing y escribió varios libros como parte de un currículo estructurado de música para guitarra. Y por si fuera poco, durante varios años Howard escribió una columna mensual ("Jazz Improvisation") para la revista Guitar Player.

Howard ya había grabado bajo su propio nombre en al menos otro sello (Verve Records) antes de firmar con Capitol Records. Antes de eso (alrededor de 1955) grabó al menos dos discos como parte de la banda del pianista y estilista de canciones Bobby Troup en el sello Bethlehem. "Color Him Funky" y "H.R. is a Dirty Guitar Player" son los dos primeros discos que Howard grabó para Capitol, y se grabaron con pocos meses de diferencia en 1963. La sección rítmica destacada es la misma en ambas fechas - Chuck Berghofer en el bajo y Earl Palmer en la batería. Paul Bryant y Burkley Kendrix están en el órgano.

La mayoría de las grabaciones de Howard Roberts a través de los años, en particular una larga cuerda para Capitol en los 60 y en los 70 fueron bastante comerciales, con breves versiones de temas pop actuales. Hizo un buen trabajo con The Magic Band en algunas grabaciones en vivo en Donte's en Los Ángeles que mostraban indicios de lo que podía hacer. Un versátil jugador de estudio, Roberts finalmente tuvo la oportunidad en 1977 de grabar algo de jazz sin tonterías. "El verdadero Howard Roberts", se destacó, con una buena banda detrás de él interpretando estándares de jazz.

Howard Roberts murió el 28 de junio de 1992

Howard Roberts es miembro del prestigioso Salón de la Fama de Gibson. Sus guitarras, personalmente diseñadas y comercializadas por Gibson, son las H.R. Custom, con su tapa arqueada y agujero ovalado que combina guitarras clásicas-acústicas y eléctricas, y el más reciente modelo H.R. Fusion.
Fuente: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/howardroberts

1956-1979, 50 songs special selection

 

 

 

Gene Krupa And Buddy Rich • The Drum Battle At JATP

Review by Lindsay Planer

This set was initially issued as the 15th instalment in Norman Grantz's Jazz at the Philharmonic series of LPs, EPs, and 45s. As that highly collectible compilation of performances has been out of print since the 1960s, many of the volumes were later issued under the respective artists' name. As the title would imply, Drum Battle: Jazz at the Philharmonic features the artistry of the Gene Krupa Trio with Buddy Rich (drums) sitting in on a few numbers as well as the inimitable jazz scat vocalizations of Ella Fitzgerald on a hot steppin' and definitive "Perdido." Opening the disc is Krupa's trio with Willie Smith (alto sax) and Hank Jones (piano) providing a solid and singularly swinging rhythm section. While Smith drives the band, Krupa is front and center with his antagonistic percussive prodding. "Idaho" is marked with Jones' rollicking post-bop mastery as he trades solos with Smith and can be heard quoting lines from Monk before yielding to Smith. The cover of Duke Ellington's "Sophisticated Lady" sparkles from beginning to end. Jones' opening flourish sets the tenure as Smith settles into a smoky lead, containing some nice syncopation and regal augmentation from Jones. Krupa primarily provides ample rhythm work on the emotive ballad. Smith's diversion into "Stormy Weather" is notable for exemplifying the lyrically improvisational nature of this combo. The tempo is significantly stepped up on a cover of Benny Goodman's "Flying Home," which is full of high-spirited playing and garners a sizable reaction from the audience. The lengthy "Drum Boogie" is one of Krupa's signature pieces and is greeted with tremendous enthusiasm. Buddy Rich climbs on board for a one-on-one duel with Krupa, whose styles mesh into a mile-a-minute wash of profound percussion. The duet segues into an inspired and free-form jam on "Perdido," with Fitzgerald belting out her lines with authority, class, and most of all, soul.

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Revisión por Lindsay Planer

Este set se emitió inicialmente como la décima quinta entrega en el Jazz de Norman Grantz en la serie Philharmonic de LPs, EPs y 45s. Dado que la compilación de actuaciones altamente coleccionables ha estado agotada desde la década de 1960, muchos de los volúmenes se publicaron más tarde con el nombre de los respectivos artistas. Como lo implica el título, Drum Battle: Jazz at the Philharmonic presenta el arte del Gene Krupa Trio con Buddy Rich (batería) en algunos números, así como las inimitables vocalizaciones de Jazz Scat de Ella Fitzgerald en un hito. Definitivo "Perdido". Al abrir el disco se encuentra el trío de Krupa con Willie Smith (saxo alto) y Hank Jones (piano) que brindan una sección de ritmo sólida y singular. Mientras Smith maneja la banda, Krupa está al frente y en el centro con su insultante percusión antagónica. "Idaho" está marcado con el increíble dominio de Jones después de la bop al intercambiar solos con Smith y se puede escuchar citando líneas de Monk antes de rendirse a Smith. La portada de "Sophisticated Lady" de Duke Ellington brilla de principio a fin. La apertura de Jones establece el mandato cuando Smith se asienta en una pista llena de humo, que contiene una buena sincopación y un aumento real de Jones. Krupa proporciona principalmente un amplio trabajo de ritmo en la balada emotiva. El desvío de Smith al "Clima tempestuoso" es notable por ejemplificar la naturaleza líricamente improvisada de este combo. El ritmo se incrementó significativamente en una versión de "Flying Home" de Benny Goodman, que está llena de juegos de alto espíritu y genera una reacción considerable de la audiencia. El largo "Drum Boogie" es una de las piezas de la firma de Krupa y es recibido con un tremendo entusiasmo. Buddy Rich se sube a bordo para un duelo uno a uno con Krupa, cuyos estilos se combinan en un baño de una percusión profunda de una milla por minuto. El dúo se convierte en una mermelada inspirada y de forma libre en "Perdido", con Fitzgerald cantando sus líneas con autoridad, clase y, sobre todo, alma.

The Ray Brown Trio • Soular Energy

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
This album is important as an early milestone in pianist Gene Harris' second career. Harris, who had led the popular Three Sounds in the 1960s, had been living in obscurity in Boise, ID, for several years before he was urged by bassist Ray Brown to come to the West Coast for some recording sessions. Harris became a permanent member of Brown's regular trio for quite a few years before launching his own quartet. He had lost none of his technique, soul, or swing in the interim, as he shows throughout this fine release. Seven of the eight numbers (highlighted by "Exactly Like You," "Teach Me Tonight," and "Sweet Georgia Brown") feature Brown, Harris, and drummer Gerryck King playing soulful bop, while "Mistreated But Undefeated Blues" adds guitarist Emily Remler and the tenor of Red Holloway. An excellent effort.
https://www.allmusic.com/album/soular-energy-mw0000649426

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Resena de AllMusic (por Scott Yanow):
Este album es importante como un hito temprano en la segunda carrera del pianista Gene Harris. Harris, que habia liderado el popular Three Sounds en los anos 60, habia estado viviendo en el anonimato en Boise, ID, durante varios anos antes de ser instado por el bajista Ray Brown a venir a la Costa Oeste para algunas sesiones de grabacion. Harris se convirtio en miembro permanente del trio habitual de Brown durante bastantes anos antes de lanzar su propio cuarteto. No habia perdido nada de su tecnica, alma o swing en el interim, como demuestra a lo largo de este excelente lanzamiento. Siete de los ocho temas (destacados por "Exactly Like You," "Teach Me Tonight" y "Sweet Georgia Brown") presentan a Brown, Harris y el baterista Gerryck King tocando bop lleno de alma, mientras que "Mistreated But Undefeated Blues" suma a la guitarrista Emily Remler y el tenor de Red Holloway. Un excelente esfuerzo.
https://www.allmusic.com/album/soular-energy-mw0000649426

Ray Brown • Brown's Bag

 

Oscar Peterson Trio • Live at CBC Studios 1960

 

 

Review
by Scott Yanow
After recording a ton of music in 1959, the Oscar Peterson Trio only made one studio album in 1960 (The Music from Fiorello) and was not documented again until July 28, 1961. This 1997 CD has ten selections recorded for the Canadian Broadcasting Corporation but not released commercially until decades later. Pianist Peterson, bassist Ray Brown and drummer Ed Thigpen, as usual, swing hard, with O.P. being the dominant force. Among the highlights of the predictably excellent program are Peterson's "Blues for Big Scotia," "My Heart Stood Still," "How About You," "Cookin' at the Continental" and "Dancing on the Ceiling."
https://www.allmusic.com/album/live-at-cbc-studios-1960-mw0000596696

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Reseña
por Scott Yanow
Después de grabar una tonelada de música en 1959, el Trío Oscar Peterson solo hizo un álbum de estudio en 1960 (The Music from Fiorello) y no se documentó nuevamente hasta el 28 de julio de 1961. Este CD de 1997 tiene diez selecciones grabadas para la Canadian Broadcasting Corporation, pero no se lanzaron comercialmente hasta décadas después. El pianista Peterson, el bajista Ray Brown y el baterista Ed Thigpen, como de costumbre, se balancean con fuerza, siendo O. P. la fuerza dominante. Entre los aspectos más destacados del programa, predeciblemente excelente, se encuentran "Blues for Big Scotia", "My Heart Stood Still", "How About You", "Cookin' at the Continental" y "Dancing on the Ceiling" de Peterson."
https://www.allmusic.com/album/live-at-cbc-studios-1960-mw0000596696

 

oscarpeterson.com ...

Clark Terry-Freddie Hubbard-Dizzy Gillespie plus Oscar Peterson-Ray Brown-Joe Pass-Bobby Durham • The Alternate Blues

 

Johnny Hodges • In A Tender Mood

 

"Never the world's most highly animated showman or greatest stage personality, but a tone so beautiful it sometimes brought tears to the eyes, this was Johnny Hodges. Because of this great loss, our band will never sound the same. Johnny Hodges sometimes sounded beautiful, sometimes romantic, and sometimes people spoke of his tone as being sensuous. With the exception of a year or so, almost his entire career was with us. So far as our wonderful listening audience was concerned, there was a great feeling of expectancy when they looked up and saw Johnny Hodges sitting in the middle of the saxophone section, in the front row. I am glad and thankful that I had the privilege of presenting Johnny Hodges for forty years, night after night. I imagine I have been much envied, but thanks to God....” Duke Ellington eulogy.

John Cornelius Hodges was born on the 25th July 1906 in Cambridge, Mass. He started his musical career playing drums and piano before taking up the saxophone at the age of 14, beginning on the soprano and later the alto. Originally self-taught he was given lessons by Sydney Bechet, whom he got to know through his sister. He followed Bechet into Willie 'The Lion' Smith's quartet at the Rhythm Club (around 1924), then played in the house band with Bechet's Club ‘Basha’ in Harlem. He continued to live in Boston and traveled to New York at weekends playing with such musicians as Bobby Sawyer (1925), Lloyd Scott (1926), then from late 1926 with the great Chick Webb at The Paddock Club and The Savoy Ballroom, etc. followed by a short stint with Luckey Roberts.

In May 1928 Johnny joined Duke Ellington's orchestra and he remained a mainstay of the group for the next 40 years. From his first recording in 1928 he revealed his authority and technical mastery of the saxophone, playing with a broad, sweeping tone and producing impressive, cascading runs. In the opinion of many people, he soon became Duke's most valuable soloist. He made hundreds of recordings with Duke and from 1937 led his own small studio group drawn from the orchestra which made many successful series of recordings for Victor and other labels. Titles included “Jeep's Blues,” “Hodge Podge,” “The Jeep is Jumpin” all of which were co-written with Duke. Also in this period of great creativity he played in many other small groups with musicians such as Lionel Hampton, Teddy Wilson, etc., producing classics of the period.

Johnny was one of the many stars of the Ellington band of the 40s producing solos of immense authority on songs such as “Things Ain't What They Used To Be,” “Don't Get Around Much Any More,” “Passion Flower,” etc. From the 40s he concentrated on the alto leaving the soprano alone completely and in this period he regularly won the popularity polls run by magazines such as Downbeat, Metronome, and Esquire.

In March 1951 Johnny left Duke to form his own small group taking with him Lawrence Brown and Sonny Greer and in their first recording session they produced a hit record of “Castle Rock.” Johnny disbanded the group in the spring of 1955 and after a brief spell of TV work on the Ted Steele Show, rejoined Duke in August of that year where, apart from a few brief periods, he remained for the rest of his life. In the spring of 1958 he worked with Billy Strayhorn and in 1961 went to Europe with some of the other band members in a group called The Ellington Giants.

He continued to record prolifically with musicians such as Wild Bill Davis, Earl Hines, and even one session with Lawrence Welk. Duke and Billy Strayhorn continued to write compositions and arrangements featuring Johnny's unique sound and talents leaving a wonderful legacy of recorded music for the enjoyment of successive generations of enthusiasts. He won the admiration of many saxophonists such as Ben Webster and even John Coltrane who played in one of the small groups in 1953-4 said that Johnny was always one of his favorite players.

In his later years Johnny used fewer and fewer notes, remaining close to the melody in ballads and improvising simple but telling riffs on the faster numbers, many of which were based on the blues . The power of his playing came from his sound and his soul, generating immense swing and building the dramatic tension from chorus to chorus. His last attempt at recording was the monumental “New Orleans Suite,” but he would not live to see the final product.

Johnny Hodges died of a heart attack in New York City on the 11th May 1970.
Source: James Nadal
https://www.allaboutjazz.com/musicians/johnny-hodges/

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"Nunca fue el showman más animado del mundo o la personalidad teatral más grande, pero un tono tan hermoso que a veces hacía llorar a los ojos, este era Johnny Hodges. Debido a esta gran pérdida, nuestra banda nunca sonará igual. Johnny Hodges a veces sonaba hermoso, a veces romántico y, a veces, la gente hablaba de su tono como sensual. Con la excepción de un año más o menos, casi toda su carrera estuvo con nosotros. En lo que respecta a nuestra maravillosa audiencia oyente, hubo una gran sensación de expectativa cuando levantaron la vista y vieron a Johnny Hodges sentado en el medio de la sección de saxofones, en la primera fila. Estoy contento y agradecido de haber tenido el privilegio de presentar a Johnny Hodges durante cuarenta años, noche tras noche. Me imagino que me han envidiado mucho, pero gracias a Dios...."Elogio de Duke Ellington.

John Cornelius Hodges nació el 25 de julio de 1906 en Cambridge, Massachusetts. Comenzó su carrera musical tocando la batería y el piano antes de comenzar a tocar el saxofón a los 14 años, comenzando con la soprano y luego con el alto. Originalmente autodidacta, Sydney Bechet le dio lecciones, a quien conoció a través de su hermana. Siguió a Bechet al cuarteto de Willie' The Lion ' Smith en el Rhythm Club (alrededor de 1924), luego tocó en la banda de la casa con el Club 'Basha' de Bechet en Harlem. Continuó viviendo en Boston y viajaba a Nueva York los fines de semana tocando con músicos como Bobby Sawyer (1925), Lloyd Scott (1926), luego desde finales de 1926 con el gran Chick Webb en el Paddock Club y el Savoy Ballroom, etc. seguido de una breve temporada con Luckey Roberts.

En mayo de 1928, Johnny se unió a la orquesta de Duke Ellington y siguió siendo un pilar del grupo durante los siguientes 40 años. Desde su primera grabación en 1928 reveló su autoridad y dominio técnico del saxofón, tocando con un tono amplio y amplio y produciendo carreras impresionantes en cascada. En opinión de mucha gente, pronto se convirtió en el solista más valioso de Duke. Hizo cientos de grabaciones con Duke y, a partir de 1937, dirigió su propio pequeño grupo de estudio extraído de la orquesta, que realizó muchas series exitosas de grabaciones para Victor y otros sellos. Los títulos incluyeron "Jeep's Blues", "Hodge Podge"," The Jeep is Jumpin", todos los cuales fueron coescritos con Duke. También en este período de gran creatividad tocó en muchos otros pequeños grupos con músicos como Lionel Hampton, Teddy Wilson, etc., produciendo clásicos de la época.

Johnny fue una de las muchas estrellas de la Ellington Band de los años 40 produciendo solos de inmensa autoridad en canciones como "Things Ain't What They Used To Be"," Don't Get Around Much Anymore"," Passion Flower", etc. A partir de los años 40 se concentró en el alto dejando completamente sola a la soprano y en este período ganó regularmente las encuestas de popularidad que manejan revistas como Downbeat, Metronome y Esquire.

En marzo de 1951 Johnny dejó Duke para formar su propio pequeño grupo llevándose consigo a Lawrence Brown y Sonny Greer y en su primera sesión de grabación produjeron un exitoso disco de " Castle Rock. Johnny disolvió el grupo en la primavera de 1955 y después de un breve período de trabajo televisivo en The Ted Steele Show, se reincorporó a Duke en agosto de ese año, donde, aparte de unos breves períodos, permaneció por el resto de su vida. En la primavera de 1958 trabajó con Billy Strayhorn y en 1961 se fue a Europa con algunos de los otros miembros de la banda en un grupo llamado Ellington Giants.

Continuó grabando prolíficamente con músicos como Wild Bill Davis, Earl Hines e incluso una sesión con Lawrence Welk. Duke y Billy Strayhorn continuaron escribiendo composiciones y arreglos con el sonido y los talentos únicos de Johnny, dejando un maravilloso legado de música grabada para el disfrute de sucesivas generaciones de entusiastas. Se ganó la admiración de muchos saxofonistas como Ben Webster e incluso John Coltrane, quien tocó en uno de los grupos pequeños en 1953-4, dijo que Johnny siempre fue uno de sus músicos favoritos.

En sus últimos años, Johnny usó cada vez menos notas, permaneciendo cerca de la melodía en las baladas e improvisando riffs simples pero contundentes en los números más rápidos, muchos de los cuales se basaban en el blues . El poder de su interpretación provino de su sonido y su alma, generando un swing inmenso y construyendo la tensión dramática de coro en coro. Su último intento de grabación fue la monumental "Suite de Nueva Orleans", pero no viviría para ver el producto final.

Johnny Hodges murió de un ataque al corazón en la ciudad de Nueva York el 11 de mayo de 1970.
Fuente: James Nadal
https://www.allaboutjazz.com/musicians/johnny-hodges/

Lester Young • Lester Young With The Oscar Peterson Trio

 

Review by Scott Yanow
Defying what has become conventional wisdom, tenor saxophonist Lester Young cut some of his greatest recordings in the 1950s -- that is, when he was reasonably healthy. On this wonderful effort with pianist Oscar Peterson, guitarist Barney Kessel, bassist Ray Brown, and drummer J.C. Heard, Prez performs definitive versions of "Just You, Just Me" and "Tea for Two," and plays a string of concise but memorable ballad renditions: "On the Sunny Side of the Street," "Almost Like Being in Love," "I Can't Give You Anything But Love," "There Will Never Be Another You," and "I'm Confessin'." This is essential music from a jazz legend. [Some reissues augment the original dozen songs with a version of the good-humored "It Takes Two to Tango," which features Young's only recorded vocals, plus a rather unnecessary false start (on "I Can't Get Started," ironically), along with some studio chatter.]
https://www.allmusic.com/album/release/lester-young-with-the-oscar-peterson-trio-mr0003703509

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Reseña de Scott Yanow
Desafiando lo que se ha convertido en la sabiduría convencional, el saxofonista tenor Lester Young cortó algunas de sus mejores grabaciones en los años 50, es decir, cuando estaba razonablemente sano. En este maravilloso esfuerzo con el pianista Oscar Peterson, el guitarrista Barney Kessel, el bajista Ray Brown y el baterista J.C. Heard, Prez interpreta versiones definitivas de "Just You, Just Me" y "Tea for Two", y toca una serie de interpretaciones de baladas concisas pero memorables: "On the Sunny Side of the Street", "Almost Like Being in Love", "I Can't Give You Anything But Love", "There Will Never Be Another You" y "I'm Confessin'". Esta es música esencial de una leyenda del jazz. [Algunas reediciones aumentan la docena de canciones originales con una versión del buen humor "It Takes Two to Tango", que presenta las únicas voces grabadas de Young, más un inicio falso bastante innecesario (en "I Can't Get Started", irónicamente), junto con alguna charla de estudio.]
https://www.allmusic.com/album/release/lester-young-with-the-oscar-peterson-trio-mr0003703509